Aujourd’hui intéressons-nous à un vieux titre qui fait peau neuve : Wingman, la première série à succès de Masakazu Katsura diffusé en 1989 dans le Club Dorothée.

Après une diffusion censurée de l’anime à l’époque et une sortie partielle du manga par Manga Player en 1998 (avec des couvertures d’une rare laideur), le fidèle éditeur français de l’auteur, Tonkam, reprend le flambeau. Il propose depuis la fin avril de suivre les aventures du jeune Kenta, un fan de sentaï devenu un super-héros, qui part à la rescousse d’un monde opprimé !

Action, romance et super héros au programme de ce titre paru il y a une trentaine d’années dans le Weekly Shonen Jump et qui conserve une grande partie de son charme dans cette nouvelle édition Deluxe !

En route pour la critique… Bonne lecture

Traaaaaansformatiooooon !

Kenta Hirono est un lycéen comme les autres…Ou presque. Passionné par les super-héros et ardent défenseur des forces du bien, l’adolescent passe son temps à jouer au justicier. Enfilant son costume de Wingman, notre héros autoproclamé chasse le crime dans les salles de classe et y met un sacré bazar, ce qui ravit ses camarades et énerve au plus haut point ses enseignants comme madame Matsuoka, son professeur principal qui est bien décidée à le remettre sur le chemin des études !

Mais Kenta est têtu et il prend sa destinée de sauveur de l’humanité très au sérieux. Cela dit… Il n’a pas totalement tort. Il y a bien un monde à sauver : celui d’Aoi, habitante du monde de Powdream, qui vient littéralement de lui tomber dessus. Cette jeune demoiselle légèrement vêtue s’est enfuie de son monde pour échapper au dictateur Rimel, qui vient de prendre le pouvoir par un coup d’état.

Mais Aoi ne s’est pas échappée les mains vides : elle a en sa possession le cahier des rêves, qui permet de rendre réel tout ce qui y est inscrit. Rimel veut ce cahier et il est prêt à tout. Pour protéger Aoi et ce trésor, Kenta s’empresse d’y dessiner son costume de Wingman. Mais être un super-héros est plus difficile qu’on ne le pense et quand les sentiments s’en mêlent, tout se complique…

J’aurais voulu être… un sentaiiiiii ♫

Publié pour la première fois en 1983 dans le célèbre Weekly Shonen Jump de la Shueisha, Wingman nous présente donc un jeune adolescent fan des héros nippons de l’époque : les sentais, que nous avons-nous aussi connu dans les années 80 avec San Ku Kai, X-Or et d’autres.

Ces hommes solitaires œuvrent pour le bien dans leur costume excentrique fait de tissu ou de métal mais surtout de milles et un gadget. Ils poursuivent une lutte manichéenne et sans relâche contre un être despotique, cruel et machiavélique qui n’a pour but que d’envahir ou de détruire tout ce qui lui tombe sous la main. Un méchant quoi, comme l’ont célébrement parodié les Inconnus ou encore France Five.

Voilà donc ce qui fait rêver notre jeune Kenta. Mais à défaut d’ennemi ou même de pouvoirs d’envergure, l’adolescent pourchasse les mauvais élèves… Jusqu’au jour où ! L’arrivée de Aoi transforme ses rêves en réalité : un monde est à sauver des forces du mal et devient le guerrier qu’il a toujours voulu être en dessinant sur un simple cahier. Simplissime mais efficace : les possibilités sont infinies !

Le scénario est donc fixé en deux temps trois mouvements et une fois qu’il a accepté la facilité du synopsis, le lecteur peut se prendre au jeu et imaginer ce qu’il ferait lui-même de ce cahier… Après tout, depuis que les héros de Marvel ont débarqué en force dans nos cinémas et excepté le monde parallèle, on peut facilement retrouver du Kick-Ass ou du Peter Parker dans notre lycéen nippon des années 80.

 Un classique qui vieillit bien…

Enfin la pilule passe d’autant mieux que Wingman / Kenta, en fan absolu de ses modèles, se jette à corps perdu dans ce nouveau destin. Il associe un héroïsme aveugle à une volonté inébranlable et ce cocktail suscite autant le respect que l’amusement… Le justicier soigne autant son costume que ses entrées, réfléchit à ses poses de victoires autant qu’au look de ses attaques et adore faire dans le théâtral. Le ridicule ne tue pas et, mieux, distrait le lecteur qui comprend dès le départ que tout ceci n’est pas à prendre au sérieux.

Néanmoins, la compassion n’est jamais loin et notre sauveur en collants gagne notre sympathie lorsqu’il décide, malgré son impuissance et ses faiblesses humaines, de continuer le combat. Nous sommes bien dans un shônen et c’est avec une certaine nostalgie qu’on en retrouve de nombreux codes comme le dépassement de soi, les ennemis de plus en plus forts, la progression du héros, le caractère manichéen des protagonistes… Même topo pour la narration par épisode qui reprend la formule bien connue :  une situation – un ennemi-un combat-une morale.

Ces ficelles sont aujourd’hui dépassées mais l’étiquette « shônen comme au bon vieux temps » semble briller sur la couverture de Wingman et à travers son graphisme d’époque, ce qui lui permet d’arborer ses trois décennies sans rougir.

Les débuts d’un certain M.Katsura…

Ces 30 ans sont aussi 30 ans de carrière pour un certain Masakazu Katsura. Ce mangaka est aujourd’hui l’un des plus célèbres et emblématiques publiés dans l’hexagone aux cotés de Toriyama, Hôjo et Inoue, pour des raisons qui dépassent largement Wingman et son adaptation télévisée. Katsura signa le début des éditions Tonkam avec Video Girl Aï, qui posa les jalons du shôjo lycéen en France, voir les débuts du shôjo en France tout court (avec Sailor Moon chez Glénat ).

Après de nombreuses séries sur les relations amoureuses, le mangaka est depuis revenu à ses premiers amours, les supers héros, et publie depuis quelques années un titre beaucoup plus noir mais très analogue, et qui connait lui aussi de nombreux fans : Zetman.

En plus de l’apprécier pour les qualités expliquées ci-dessus, tous les amateurs des œuvres de Katsura pourront déceler dans Wingman des embryons de son style. Il y excelle déjà dans le triangle amoureux, s’adonne pour la première fois au mythe du super-héros, contre-plonge régulièrement sur des petites culottes qu’il dessine déjà à sa façon.

Cette première histoire est aussi l’occasion de découvrir des protagonistes précurseurs dans la mangagraphie de l’auteur : même si son chara-design a énormément évolué – quasiment autant que le trait de Tsukasa Hôjo de Cat’s Eyes à Angel Heart -  on peut retrouver du Yota, Ai ou Moémi de Video Girl Ai ou encore du Koga de Zetman dans les personnages de Wingman. Seul le coté obscur Batmanien qui ne se dévoile chez l’auteur que plus tardivement, manque à l’appel. Encore que, en fouillant bien, on finit par se rendre compte que le manichéisme des premiers volumes s’effrite sur la fin de la série.

Cette réédition de Wingman vient donc compléter à merveille l’ensemble des œuvres de Masakazu Katsura. Dans une édition deluxe composée de 7 volumes de belles factures, on y redécouvre avec une agréable nostalgie une histoire de super-héros qui a bien vieilli, sans doute parce qu’elle ne se prend jamais trop au sérieux. Classique voir culte pour une génération d’anime fan ou de Katsura-addicts, Wingman peut même prétendre à un public plus large et constitue une très bonne porte d’entrée pour tout les curieux qui s’intéressent aux shônens des années 80 !

Titre : Yume Senshi Wingman
Auteurs : Masakazu KATSURA
Date de parution : 25 avril 2012
Éditeurs fr/jp : Tonkam / Shueisha
Nombre de pages : 336 pages
Format : 12,7 * 18,2
Prix de vente : 10.95 €
Nombre de volumes fr / jp : 1 / 7

WINGMAN © 1983 by Masakazu Katsura/SHUEISHA Inc.

Retrouvez toutes les chroniques du chocobo sur l’index du blog.

Ce mois-ci je suis très content de pouvoir vous offrir 3 tomes 1 d’un coup de cœur shônen : Blood Lad, dont le tome 1 vient de sortir le 10 mai dernier. Je vous ai expliqué récemment pourquoi que cette nouvelle série de Kurokawa a de quoi être une des meilleures découvertes de l’année et je suis donc ravi de débuter ma première collaboration avec cet éditeur avec ce titre signé Yûki Kodama.

Pour ceux qui ne connaissent pas encore la série, une petite piqure de rappel avec le synopsis officiel de Blood Lad : Loups-garous, zombies et autres créatures de la nuit ont toujours inspiré la terreur aux humains. Staz est un vampire, un vrai caïd qui règne sans partage sur un des quartiers des enfers. Mais plutôt que de jouer au suceur de sang, il préfère squatter sa console et collectionner les mangas. C’est un véritable Otaku, fan de la culture nippone ! Alors quand une jeune japonaise égarée débarque sur son territoire, il n’a plus qu’une idée en tête : en faire la pièce maîtresse de sa collection !

Plus d’informations et un trailer vous attendent dans la preview.

Un petit rappel des règles au passage. Comme d’habitude vous avez donc le choix entre la grille ci-dessous, le puzzle sur Facebook et Google + ou les deux. Le modus opérandi est le suivant :

• 1. Jouez sur le blog (grille ci-dessous) ou allez faire un tour sur la page Facebook ou Google +de Paoru.fr, devenez fan et rendez-vous dans l’album photos Concours Paoru.fr
• 2. Sur Facebook ou G+ : identifiez sur l’image du mois (celle de juin cette fois-ci) les 12 tomes présents .
• 3. Sur le blog : trouvez les 12 séries à l’aide des définitions.
• 4. Envoyez les noms des tomes et séries et/ou les mots de la grilles et l’adresse concours@paoru.fr, le tout avant le 05 juin à minuit !

Trois gagnants seront tirés au sort parmi les bonnes réponses et leurs noms seront annoncés le 6 juin, en même temps que le nom des séries de tomes mystères.

Voici la grille de mots croisés du blog, consacrée aux shônens et à leur héros !

Amusez-vous bien et bonne chance

C’est un peu sans crier gare que s’est tenu dimanche soir un concert de J-rock à L’espace B, dans le 19 arrondissement, à Paris. Un triple concert même : 8otto était la tête d’affiche de la soirée, accompagné par les plus méconnus Miila & the Geeks et Nokies. Notre nouvelle reporter photographe Stephy-chan, grande fan d’8otto, ne s’est pas faite priée pour devenir nos yeux et nos oreilles le temps d’une soirée.

C’est parti pour ce live report, tout en photos et en impression à chaud !

Miila & the Geeks

Premier groupe à passer sur la scène de l’Espace B. Après une présentation un peu timide du groupe par Moe, la chanteuse, le trio entame leur 1ere chanson sur laquelle toute la salle remue alors la tête en rythme.

La timidité fait progressivement place à une énergie débordante et une envie de s’amuser… Envie essentiellement communiqué par le batteur, un brin déjanté. Le public adore et en redemande.

Au final la prestation sera quand même resté quelques peu timide des deux cotés, peut être à cause du style franchement décalé du groupe et ce malgré de très bon rythmes.

Nokies

Second groupe de la soirée. Bien moins timide que leurs prédécesseurs, Yusuke Kume donne le ton et fait clairement comprendre qu’il est très – mais alors très – content d’être à Paris. Ils enchaînent sans plus de cérémonie et offrent au public une prestation scénique du tonnerre avec une grande communication avec le public, sans cesse sollicité.

Le public en profite d’ailleurs pour se bouger, comme rarement on a pu voir dans une si petite salle

Nokies est donc LA surprise de cette soirée avec, pour ne rien gâcher, un chanteur très sympathique avant et après le concert, nous en avons d’ailleurs profiter pour lui dire qu’il devait absolument revenir !

8otto

Last but not least, 8otto était très attendu malgré la faible affluence pour ce concert (une petite centaine de personnes). Après quelques mots de la de Masaki Maenosono, le batteur, chanteur et leader du groupe, ce dernier enchaîne avec la première chanson de ce mini-concert à couper le souffle.

Malgré la taille de la scène, il se déplace partout et offre une prestation scénique digne de ce nom, et ce dès le premier morceau !

Tous les membres se donnent à fond, prouvant qu’ils sont heureux d’être au contact de leur public français. Ce dernier le leur rend bien. Déjà bien échauffés grâce aux Nokies, les spectateurs se lâchent et bougent dans tous les sens, criant des « otto ! » et des « merci ! » entre chaque chanson.

Durant le concert on découvre en se retournant que le batteur de Miila, le premier groupe, est venu taper l’incruste pour danser avec tout le monde !

Pour finir nous sommes gratifiés d’un rappel explosif et un groupe qui multiplie à son tour aussi les remerciements et autres « à bientôt ».

À bientôt, c’est bien ce que l’on espère à la sortie de cet excellent concert inattendu mais déjà l’un des meilleurs de l’année !

Toutes ces photos vous attendent aussi sur la page Facebook de Paoru.fr !

• Manga : Naoki Urasawa, Tetsuya Saruwatari, Moto Hagio, Rei Toma, Ein Lee, Toshio Maeda
• J-music : Flow et  Hemenway, que nous avons déjà évoqué ici, mais aussi Man with a mission, Momoiro Clover, VIRGO aka Hammer, Kohei Tanaka, Junko Iwao, Anli Pollicino, Daizy Stripper, Professeur Sakamoto. Un premier planning des concerts a été établi cette semaine, vous pouvez le consulter chez Doko.
• Japanimation : Makoto Shinkai
• Jeux vidéo : Keiji Inafune
• Japon, culture et mode : Kyary Pamyu Pamyu.
• Autres  : Alexandre Astier à Comic Con

Aujourd’hui, nous parlerons en détail des invités manga. Une catégorie bien remplie où l’on retrouve du seinen (Naoki Urasawa, Tetsuya Saruwatari), du shôjo (Moto Hagio, Rei Toma), du kodomo (Ein Lee) et même du hentai (Toshio Maeda)… Je sais que nous avons encore un invité seinen qui ne devrait plus tarder à être annoncé mais c’est du côté shônen que le mystère reste entier. En attendant, voici les informations sur ces mangakas !

Bonne lecture

Invité d’honneur : Naoki Urasawa

Né  à Tokyo le 2 janvier 1960, Naoki Urasawa est diplômé en économie et, depuis le lycée, il partage son temps libre entre le dessin et la musique. En 1982, il reçoit le prix du meilleur jeune mangaka de la Shōgakukan. Il y travaille comme assistant puis y publie son premier titre de science-fiction, Beta, en 1983. Suivent ses premiers succès comme Pineapple Army, Master Keaton ou Yawara! qui est adapté sur de nombreux supports (anime, film et jeu vidéo). Puis vient Happy!, dont je vous ai déjà parlé ici.

Par la suite, Urasawa  passe à un registre plus personnel. En 1995 sort Monster, un thriller psychologique beaucoup plus sombre que ses œuvres précédentes. Véritable succès, cette série est adaptée en anime puis au cinéma, et elle est primée à plusieurs reprises en France et à l’étranger. En 2000, il publie 20^th Century Boys, qui connait un énorme succès qui reçoit chez nous le prix de la série au Festival d’Angoulême en 2004.

En 2007 il commence Pluto, mixant SF et policier et adapté de Le robot le plus fort du monde, un passage  du manga Astro, le petit robot (Tetsuwan Atom) de Tezuka. Là encore de nombreux prix au Japon et en France : l’ACBD lui décerne le prix Asie lors des Japan Expo Awards en 2010. L’année suivante, il reçoit le Prix intergénérations du Festival d’Angoulême. Vous pouvez en savoir plus sur le titre via l’article qui lui est consacré ici.

Depuis qu’il a terminé 20^th Century Boys et Pluto, Naoki Urasawa se consacre à Billy Bat qui est sorti chez Pika en mars dernier. Je vous reparle d’Urasawa prochainement, grâce à l’excellente monographie qui lui est consacré : L’air du temps. Autre évènement de taille : vous aurez l’occasion de le découvrir guitare à la main, en duo avec le groupe Hemenway, pour un concert qui s’annonce unique !

Jour de présence : vendredi et samedi.

Invité Kazé Manga :  Rei Toma

Née un 11 mars (pas drôle comme date d’anniversaire) dans la préfecture de Chiba, elle débute en 2006 avec S no Yuiitsu M no Zettai chez la Shōgakukan. Une maison où elle poursuit sa carrière depuis avec 6 shôjos à son actif, publiés dans le magazine Cheese!. Des titres orientés vers la comédie et la romance, dans différents cadres comme la vie scolaire ou l’épopée d’une princesse dans un monde de fantasy.

C’est le cas de L’Arcane de l’aube, publié pour la première fois en 2009 au Japon et qui parait en France chez Kazé Manga depuis avril 2011. Avec 9 tomes au Japon et plus d’1,2 millions d’exemplaires vendus, les aventures de Nakaba, princesse aux pouvoirs mystérieux, remporte un vrai succès au Japon mais aussi en France (élu meilleur shôjo 2011  chez Manga News).

La série mêle les codes de la fantasy à ceux du shôjo et entraîne le lecteur dans une intrigue sombre où les « non-humains » côtoient la magie. L’héroïne fait face aux tragédies de son passé, tout en apprenant à vivre avec l’ennemi héréditaire de son peuple, le Prince Caesar, son époux. Le tome 6 est sorti en France le 21 mars dernier et on attend le 7ème pour la Japan Expo.

Invité Tonkam : Tetsuya Saruwatari

Né le 25 juin 1958 dans la préfecture de Fukuoka, Tetsuya Saruwatari s’intéresse très tôt aux arts martiaux ainsi qu’au cinéma américain et de Hong Kong. Après avoir arrêté l’école au lycée, il a travaillé comme assistant de Shinji Hiramatsu (qui fut le maître de Buronson) et Hiroshi Motomiya (Je ne suis pas mort). D’un tempérament très travailleur, il est capable de rendre plus de 350 pages en un mois et se documente scrupuleusement pour assurer le réalisme de ses œuvres. Il regarde donc 3 à 4 matchs par mois afin de perfectionner ses scènes de combat.

Sa première histoire, Umi no Senshi, est publiée dans le Shonen Jump mais c’est avec Dog Soldier qu’il rencontre le succès. Cependant, il est surtout pour connu pour son manga publié chez Shueisha au Japon et chez Tonkam en France : Tough, une série achevée et publiée au Japon de 1994 à 2003 (soit 42 volumes). La suite de la série s’intitule Free Fight -New Tough et compte 36 tomes.

Cette seconde saison est toujours en cours au Japon, et Tonkam sort la semaine prochaine le 30ème volume dans l’hexagone.

Invité nobi nobi ! : Ein Lee

Née en 1991, Ein LEE partage son temps entre ses études et sa grande passion : le dessin. Cette jeune Taïwanaise s’est d’ailleurs rapidement fait une renommée au sein du réseau social et artistique DeviantArt. Elle a remporté le prestigieux Royal Over-Seas League’s Young Artist Competition qui lui a valu d’être exposée à Londres.

Elle signe à tout juste 18 ans son premier livre, Princesse Pivoine, aux éditions nobi nobi !, qui connaît très vite un beau succès en France. En 2011, elle illustre un conte incontournable de la culture traditionnelle japonaise : Le Secret de la grue blanche.

Ses préférences et influences de l’artiste sont extrêmement variées : The Simpsons, Rose of Versailles, Neon Genesis Evangelion, Samurai Champloo, Avatar, Gundam 00, Fruits Basket, Rurouni Kenshin et Camp Lazlo.

La semaine prochaine nobi nobi ! publie le troisième titre d’Ein LEE : La Princesse au bol enchanté, un conte nippon dont je vous reparlerais certainement. Autre bon point : la dessinatrice arrive en France avant Japan Expo pour découvrir son public, une bonne idée pour prendre le temps d’aller à sa rencontre en dehors de la foule de la JE ! En attendant vous pouvez la retrouver et admirer ses dessins sur son Deviant Art ou son site web.

Jour de présence : les 4 jours.

Invité hentai : Toshio Maeda

Né en 1953 à Osaka, Toshio Maeda est un mangaka de hentai assez controversé mais aussi pionnier du genre avec des œuvres comme La Blue Girl et Urotsukidôji, qui a connu ses heures de gloires dans les années 80 – 90 et qui a d’ailleurs conforté les détracteurs du manga à cette époque, qui ont bêtement réduit l’univers du manga à ce seul et unique genre.

Lecteur vorace, Toshi Maeda dévore tout ce qui lui passe sous la main dès l’âge de 6 ans. Il s’intéresse aux comics comme Batman ou Spider-man, mais ne s’arrête pas là. Il avoue d’ailleurs avoir lu plus de 10 000 ouvrages avant ses 20 ans, toutes littératures confondues. À 16 ans, cet autodidacte part pour Tôkyô et devient l’assistant d’un mangaka. Pour éviter les limites, morales, politiques ou religieuses des mangas grand public, il se concentre sur le dessin érotique avec des œuvres avant-gardistes comme Urotsukidôji, sorti en 1986, et invente quasiment à lui tout seul un sous-genre du hentai : le tentacle rape, avec des monstres aux phallus innombrables et tentaculaires, dotés de têtes chercheuses lockées sur toutes les petits culottes du coin.

Urotsukidôji est, après Akira, le titre le plus influent sur le marché anglo-saxon et même l’un des emblèmes de Manga Vidéo, un éditeur que les plus âgés d’entre nous se souviennent surement ! Ce petit trailer vous rafraichira sans doute la mémoire…

Qu’on aime ou pas le genre, c’est donc un auteur de légende qu’on apprécie de voir à Japan Expo. C’est aussi un signe du changement des mentalités et un joli pied de nez à Familles de France qui n’est pas pour me déplaire…

Jour de présence : les 4 jours.

Invité shôjo : Moto Hagio

Autre légende mais pour le coup totalement méconnue dans notre pays avant sa venue en mars dernier au Salon du Livre de Paris. Faute de traducteur je n’ai pas pu la rencontrer mais j’espère bien pouvoir le faire pour son retour en juillet ! Née le 12 mai 1949, Moto Hagio est une mangaka connue comme la « mère du shōjo moderne » et plus particulièrement du shônen-ai.

Elle fait ses débuts professionnels en 1969 à l’âge de 20 ans avec la publication de sa courte histoire Lulu to Mimi dans Nakayoshi, une revue mensuelle à destination des 8-12 ans, publiée par la Kōdansha. C’est l’une des plus importantes revues shôjo avec un tirage avoisinant 1 million d’exemplaires dans les années 1990 (~400 000 de nos jours), et aussi l’une des plus anciennes car publiée depuis 1954.

Plus tard, pour l’éditeur Shōgakukan, elle produit une série de petites histoires pour divers magazines. Deux ans après ses débuts, elle publie Juichigatsu no Gimunajiumu une histoire courte qui traite ouvertement d’amour entre deux garçons dans un internat (ouh la la la !).

L’histoire faisait partie d’un grand mouvement d’artistes féminins de manga qui ont frayé un chemin vers le genre des bandes dessinées pour filles sur le sujet de l’amour entre de jeunes hommes. En 1974, Hagio développe son histoire dans le plus long Toma no Shinzo. Elle remporta le prix du manga Shōgakukan en 1976 pour son manga de science-fiction Jūichinin iru! et son conte épique Poe no Ichizoku.

Voilà pour cette première partie sur les invités manga. Au prochain numéro, nous parlerons des nombreux invités J-music !

Source : Japan Expo, Wikipédia, Baka Updates

Visuels : © Tous droits réservés

Japan Expo 13 : découvrez les invités de l’édition 2012

Flow et Hemenway : Japanime Rock à JE !

Les invités manga (1/2)

Après plusieurs chroniques et avant la présentation des nombreux invités de la prochaine Japan Expo, je vous propose aujourd’hui de sortir des sentiers battus pour découvrir un éditeur : IMHO, maisons d’édition indépendante de bandes dessinées, littérature, essais, photographie, technologie…

Voici donc une entrevue avec Benoit Maurer, le directeur éditorial, qui a accepté de répondre à nos questions, pour nous présenter sa maison d’édition indépendante créé en 2003 qui traite des mangas, du Japon, de la pop culture avec des auteurs connus et à découvrir, pour une réelle identité éditoriale.

Après une première découverte avec L’enfant insecte de Hideshi Hino, plongeons maintenant dans le vif du sujet…

Bonne lecture

Bonjour Benoit Maurer,

Tout d’abord pouvez-vous nous préciser votre rôle au sein des éditions IMHO ?

Bonjour…

Je suis principalement éditeur, c’est-à-dire que je choisis les mangas à éditer, négocie les droits auprès des agents ou des éditeur japonais, puis confie la traduction et l’adaptation graphique aux freelances en charge de ces fonctions. Je finalise les argumentaires commerciaux pour le distributeur, ainsi que la production du livre (choix du papier, etc). Bref, du début du livre jusqu’à son arrivée en librairie.

 On continue avec les présentations, IMHO est une maison d’édition… Mais vous publiez quoi ?

Nous publions essentiellement des mangas contemporains de jeunes auteurs qui peuvent être très connus au Japon et évoluer dans le manga mainstream comme par exemple Usamaru Furuya ou Naoki Yamamoto ou des auteurs plus confidentiels comme Shizuka Nakano et Shynia Komatsu qui viennent de commencer leur carrière après la fin de leurs études.

Dans tous les cas, nous cherchons à explorer la richesse graphique du manga en montrant qu’il n’existe pas un seul style graphique comme pour les shōnen, les shōjo, un style très codifié mais qu’au contraire, de nombreux auteurs japonais travaillent dans des directions différentes. De notre côté, nous mettons plutôt en avant des auteurs très ‘pop’ ou ‘décalés’ dans leurs approches que cela soit les dessins très rétros de Junko Mizuno ou d’Hideshi Hino, le trait punk d’Atsushi Kaneko ou le travail surréaliste de Suehiro Maruo.

Nous publions aussi quelques livres sur le cinéma (un livre sur Mamoru Oshii est prévu pour juin).

Pourquoi avoir choisi d’être une maison indépendante et qu’est-ce que ça veut dire concrètement ?

Il n’y a pas vraiment eu de choix en réalité. J’avais envie de commencer à travailler rapidement et je ne me suis pas trop de posé de question sur le pourquoi du comment. Le but était vraiment de publier des livres et je n’avais pas de contact pour « lever des fonds » ou proposer des projets à un gros éditeur. D’un point de vue basique, être indépendant, cela veut juste dire qu’il faut tout faire soi-même avec les moyens du bord.

Il existe un autre éditeur de manga indépendant très connu : Ki-oon. Quels points communs et surtout quelles différences ?

Les points communs sont que les deux structures sont nées plus ou moins en même temps et j’aime beaucoup leur travail. Après, les éditions IMHO ont un côté plus artisanal dans le sens où nous publions à peine un titre par mois pour des lecteurs beaucoup moins nombreux. Nous sommes plus un éditeur de niches tandis que Ki-oon peut toucher un public plus large.

On connait tous les grands éditeurs nippons de manga, mais comment décrire l’univers et le marché du manga indépendant au Japon ?

Très délicat. Le système de distribution au Japon est très concentré. Deux gros distributeurs monopolisent le marché, si je me souviens bien… Il existe peut-être réellement un ou deux petits éditeurs de mangas comme par exemple Seirinkogeisha avec qui nous avons beaucoup travaillé qui se battent tous les jours pour exister en librairie. C’est d’autant plus difficile que l’édition n’est pas du tout aidée au Japon comme peut l’être l’édition en France (aides de l’État, prix du livre unique, etc).

En France, c’est très différent en partie parce qu’il y a beaucoup de petits ou moyens éditeurs qui travaillent le manga (Cornélius, le Lézard noir, Matières, FLBL…)

Est-ce que ce catalogue de touche à tout (cinéma, manga, essai, photos) était l’idée originelle de IMHO ? Comment est-elle venue ?

C’était l’idée originelle, mai ce n’était pas forcément une bonne idée ou en tout cas une idée facile à mettre en place pour une structure aussi petite. Nous allons vraiment nous concentrer sur la partie Images (Mangas et Cinéma).

 Si on se restreint à la partie manga de votre catalogue, quelle est votre ligne éditoriale ?

Essentiellement des auteurs jeunes contemporains (pas de réédition d’auteur des années 70 comme peuvent le faire par exemple Kana ou Cornélius) qui abordent le manga d’une manière à la fois ludique mais aussi qui proposent une approche graphique et narrative plus pop et décalée. La particularité est que l’ensemble des auteurs est publié dans le format B5 (14,7 x21 cm) et plutôt rangés dans les rayons des mangas indépendants ou moins mainstream au Japon.

 Quel est votre public ?

Essentiellement des adolescents ou jeunes adultes qui ont baigné dans le manga depuis longtemps et qui cherchent des mangas au goût plus corsé et plus décalé que le shōnen classique.

Vos publications s’éloignent des genres ou des thématiques standards du manga. Avantage en termes d’images et inconvénient en termes de ventes ?

Étant donné que nous publions des mangas au format différent et au visuel fort, cela permet en effet d’avoir une bonne visibilité en librairies… À condition que le libraire veuille bien jouer le jeu. Au début il a été parfois difficile de présenter notre travail : pour le libraire classique, il découvrait (se prenait en pleine figure) toute la vague manga qu’il devait ingurgiter sans en connaître les codes.

Pour le libraire plus spécialisé, c’était parfois difficile car pour lui nous n‘étions pas du vrai manga (comprendre pas dessiné comme du manga shōnen classique). Aujourd’hui, la situation a changé, le manga est partout, il y a eu le prix pour Mizuki à Angoulême, etc. En termes de ventes, nous nous adressons vraiment à des fans hardcores, c’est un marché de niches et nous essayons d’intéresser le public en lui proposant un goût différent.

Et d’ailleurs quels sont les leaders de votre catalogue, à combien d’exemplaires se vendent-ils ?

Les leaders sont les auteurs historiques d’IMHO : Junko Mizuno (5000 ventes pour Cinderalla), Suehiro Maruo (5000 ventes pour la Jeune fille aux camélias) Hideshi Hino (3000 ventes pour Panorama de l’Enfer, Serpent Rouge…), Usamaru Furuya…

Comment se profile cette année 2012 et quels sont vos objectifs ?

Pour 2012, nous avons repris le rythme des parutions après avoir changé de distributeur (nous sommes à Harmonia Mundi). Sur la partie Mangas, deux envies : continuer à travailler des auteurs inconnus comme Shynia Komatsu qui viennent de sortir leur premier manga au Japon, d’essayer d’être découvreur de talent… Sinon commencer à travailler les œuvres plus pointues d’auteurs qui évoluent dans le manga mainstream avec Usamaru Furuya et son génial Palepoli ou aussi Naoki Yamamoto, Inio Asano…

Un mot sur vos futures sorties ?

Pour la fin d’année, Pilou 02 de Junko Mizuno (enfin je l’espère !). Petite exclu, nous allons sortir le délirant Mindgame de Robin Nishi et qui a été adapté par Studio 4°C en film (sorti chez Potemkine en France). Sinon pour fêter dignement nos dix ans, nous avons deux très gros auteurs en discussion… Stay tuned !

Merci Benoit et longue vie à IMHO !

Pour découvrir le catalogue et les nouveautés d’ IMHO, rendez-vous sur leur site internet

Après Wolfsmund et 7 Shakespeares, je termine les nouveautés de ce début de printemps avec Blood Lad, un young seinen qui arrive dans quelques jours chez Kurokawa et qui pourrait très bien être l’une des meilleures surprises de l’année. Voir LE nouveau titre d’action à suivre, entre shōnen et seinen.

Cette nouveauté est signée par Yûki Kodama, une mangaka (plutôt bon signe ces dernières années) relativement inconnue chez nous. Elle devrait néanmoins se faire rapidement un nom grâce à un humour efficace et un coup de crayon détaillé et maîtrisé, aux influences mixtes entre Gorillaz, Beelzebub et Yuyu Hakusho.

La série est publiée depuis 2009 dans le Young Ace (Neon Genesis Evangelion, Summer Wars) de l’éditeur Kadokawa Shoten et le premier tome sort dans l’hexagone le 10 mai prochain. Blood Lad compte désormais cinq tomes au Japon, au rythme de deux volumes publiés chaque année.

Passons maintenant au vif du sujet… Bonne lecture

Voici Staz, vampire, caïd et otaku des enfers

Les vampires, ces êtres ténébreux, mystérieux, avec un grand manteau et un long col, ne sortent que la nuit de leur grand château d’aristocrate raffiné… Enfin ça c’est la version historique et Coppolesque du vampire. Aujourd’hui on peut aussi en rencontrer un avec une manette Playstation dans les mains, fan de manga et de culture nippone, caïd d’un quartier au beau milieu d’une cité des enfers.

Ce démon qui passe sa journée à glander à d’ailleurs un nom : Staz, démon de rang supérieur et otaku fini. Donc, lorsque sa bande l’appelle pour lui annoncer qu’une humaine vient de débarquer en enfer et dans SON quartier, son sang ne fait qu’un tour et une seule idée lui vient en tête : qu’est-ce qu’il va bien pouvoir se mettre ?

Notre chef des démons va enfin rencontrer une vraie japonaise, un pur produit made in Japan… Son rêve devient enfin réalité ! Mais ce n’est que le début d’un long périple pour notre ami aux crocs pointus. La donzelle, qui se prénomme Fuyumi, trouble complètement notre jeune ami, qui a le plus grand mal à réfréner ses ardeurs démoniaques. Staz se fait une promesse : elle sera la première dont il boira le sang.

Cependant la chance n’est pas du coté des vampires. À peine Staz s’absente-t-il pour expédier ad patres un visiteur belliqueux que Fuyumi ne trouve rien de mieux que de se faire boulotter par une plante carnivore. La voilà devenue un fantôme… Et c‘est là que les ennuis commencent !

Boire du sang ? C’est sooo XIXème mec !

Blood Lad est la troisième œuvre de Yûki Kodama, après des débuts en 2008 dans le Comic Bunbun avec Tenkaouitsu!! Nobunaga Blade puis DIESIZE dans le Young Gangan. Elle quitte finalement Square Enix et arrive en 2009 chez Kadokawa avec Blood Lad qu’elle poursuit encore à l’heure actuelle. Elle a également entamé en 2010 une autre série en parallèle, Asoviva.

Cette mangaka est donc au début de sa carrière mais elle nous présente une œuvre intelligemment ficelée. Il est très difficile d’être novateur dans le domaine des vampires car les titres du genre sont légions (Blood Alone, BLOOD +, Hellsing, etc). Mais plutôt que de proposer des hommes mystérieux, glamours et séducteurs, Yûki Kodama prend le contre-pied dès les premières pages avec son personnage central : Staz, un chef de bande dans le monde des démons qui n’a rien d’un playboy ni d’un personnage mystique. Il se présente sous les traits d’un adolescent nonchalant la plupart du tant ou brutal quand il s’agit d’assurer ses fonctions de chef de clan.

Si on ne le voyait pas sauter de plusieurs étages sans une égratignure ou écharper un démon et ses plantes carnivore à mains nues, on en oublierait presque que nous ne sommes pas sur terre et que les habitants des lieux sont de nature variable : fantômes, zombies, loups-garous et autres créatures de la nuit font partie du décor. Néanmoins, comme toute jeune personne qui se cherche, Staz a un peu de mal à se caler sur le modèle parental : boire le sang des humains et dominer les mondes des enfers et des humains… Merci, mais non merci.

Avec pragmatisme, l’auteure va même jusqu’à expliquer, par la bouche de son héros, que depuis que les humains ont la bombe atomique et tout leur arsenal d’armement moderne, une éventuelle bataille pourrait bien tourner au désavantage du coté obscur. Donc autant rester chez soi et passer une vie tranquille.

Histoire d’un mordu du Japon…

Blood Lad choisit donc le anti-héros et sa bande démoniaque. Pour y apporter une touche plus personnelle, Yûki Kodama a choisi de jouer sur l’humour : Staz a tout de l’otaku et sa passion pour tout ce qui touche au Japon devient le ressort comique principal de ce premier volume. Obsédé par son style vestimentaire quand il rencontre Fuyumi l’humaine, il s’isole aussitôt avec elle pour en savoir plus sur… Final Fantasy (entre autres). Et une fois la japonaise décédée et transformée en fantôme, le stratagème qu’il propose pour la ramener est la vie est aussi désespérant que drôle (les fans de Dragon Ball adoreront l’hommage, mais je ne vous en dis pas plus !).

Les vampires sont donc des humains comme les autres ? Presque, et la mangaka se plait à mélanger les références, comme la ligne de vêtement Oniqlo par exemple. On salue au passage l’auteure et le traducteur français pour le langage moderne utilisé par nos protagonistes, qui s’avère bien dosé et qui évite l’écueil du langage « d’jeuns » souvent  ridicule. Un aspect qui contribue à la crédibilité des lycéens et aide à l’immersion.

Visions of hell…

Comme vous avez pu le constater je n’ai pas encore utilisé le mot original pour qualifier Blood Lad. Tout simplement parce que, foncièrement, ce manga ne l’est pas. Pris séparément tous les thèmes de ce titre ont déjà été traités : vampire, otaku, démon, des mauvais garçons flirtant avec le style furyo… On connait. Mais ce n’est pas parce que l’on a déjà mangé des dizaines de bons tournedos saignants que l’on refusera un de plus s’il est préparé avec talent (miam !).

Comme je le disais plus haut, malgré la jeune carrière de son auteure, voici une série diablement efficace. Le graphisme est d’un excellent niveau et possède déjà une certaine identité : les dessins sont détaillés et on y apprécie une bonne gestion des volumes, sauf si on excepte les attributs quasi laitiers de la gente féminine. On remarque d’ailleurs une nette différence entre la richesse des protagonistes masculins, au chara-design plus varié et plus réussi que le sexe opposé. L’anatomie masculine est bien proportionnée, plutôt rugueuse et virile avec des visages assez anguleux chez les adultes. A l’opposé des canons du shōnen-aï, Staz est un bon compromis entre le vampire qu’on identifie par ses quenottes pointues et le zombie pas frais avec ses yeux constamment cernés.

Yûki Kodama est quelqu’un qui connait ses classiques et qui sait les revisiter. Efficace.

Du côté des femmes on nous ressort des formules plus faciles : cruche à gros seins, aventurière à gros seins ou intellectuelle à lunettes plate comme une limande. L’humour est là pour gommer les différences et les stéréotypes mais espérons que nos demoiselles ne soient pas toutes réduites à une catégorie de fantasme.

Enfin, dernier attrait mais pas des moindres, les premiers combats de volume 1 sont très encourageants. Ils font preuve d’une bonne gestion du mouvement et d’une puissance palpable grâce à une densité graphique très appréciable. Ces scènes sont d’ailleurs parmi les plus détaillées, avec des arrières plans bien pensés. On espère que ces combats aux allures de bastons bien musclés seront plus longs dans les prochains volumes, au fur et à mesure des rencontres entre ennemis de même niveau.

Blood Lad nous présente un univers plutôt riche et une bonne dose d’humour. Les personnages sont crédibles et le héros a un très bon potentiel. Le tout est présenté de manière alléchante grâce à un graphisme maîtrisé et détaillé et un chara-design masculin moderne et punchy.  Voici un titre dans la lignée des bons titres d’action dans une version assez mature, qui possède tous les arguments nécessaire pour cartonner. On attend la suite et le tome 2 avec impatience, en août !

Titre : Blood Lad
Auteurs : Yûki KODAMA
Date de parution : 10 mai 2012
Éditeurs fr/jp : Kurokawa / Kadokawa Shoten
Nombre de pages : 192 pages
Prix de vente : 7.65 €
Nombre de volumes fr / jp : 1 / 5 (en cours)

© 2010 Yuuki Kodama / KADOKAWA SHOTEN Co., Ltd.

Et pour ceux qui voudraient en voir plus voici le trailer de la série, fraichement sorti de chez Kurokawa. La preivew est également disponible chez Manga-News ici.

Ce mois-ci ce double concours blog / Facebook a reçu une petite trentaine de réponses complètes. Les gagnants du mois sont dende, t.bardaux, et Tsukime-san, bravo à eux ! Ils recevront prochainement par la poste le tome 1 de 7 Shakespeares envoyé par Kazé Manga, que je remercie au passage.

ensuite à tous les autres : rebecca, Bryan, Capelle, Fabien, Koupine, adrienne, r.gauthier, ementi, meghann, Atsu-chan, Lou lette, Amelie W. et Laura… Et plus généralement à tout ceux qui ont essayé de résoudre les casses-têtes du mois. Merci pour les encouragements au passage

Place maintenant aux réponses. On commence avec les mots croisés dédiés à William Shakespeares et au manga d’Harold Sakuishi :

Et voici maintenant les réponses du puzzle :

Edit : oups il manquait une couverture, Peace Maker tome 4 !

Rendez-vous courant mai pour un nouveau concours !

Après Wolfsmund chez Ki-oon mercredi, continuons dans les bonnes découvertes du printemps avec un titre très différent, mais tout autant prenant : 7 Shakespeares d’Harold Sakuishi.

Tout comme le précise son éditeur Kazé Manga dans sa communication, ce manga est signé par l’auteur de Beck, même s’il s’inscrit dans un genre tout à fait différent de ce titre rock’n roll. 7 Shakespeares mélange récit historique librement adapté et destinées hors du commun, au beau milieu d’un puzzle assez intrigant qui tentera de répondre à une question historique : qui était William Shakespeare ?

Ce seinen est publié depuis 2010 dans le magazine Big Comic Spirit (Ikigami, Bonne nuit Punpun) de la Shôgakukan et il est sorti chez nous le 04 avril 2012. Toujours en cours de parution, il compte pour l’instant 6 volumes.

Passons maintenant aux choses sérieuses et entamons cette preview…

Bonne lecture

« Maudit soit celui qui viole mon ossuaire… »

An 1600, Londres.

Même s’il est populaire, certains considèrent que le théâtre n’est rien d’autre qu’un loisir vulgaire, alors que d’autres y voient un contre-pouvoir corrupteur. Et pourtant, lors d’une représentation le public va découvrir, estomaqué, que la Reine elle-même est venu assister à la même pièce du jour : Hamlet, écrit par un certain William Shakespeare.

Cet homme, pourtant sans éducation, a réussi à renouveler l’écriture théâtrale et sa renommée est de plus en plus croissante, chez le peuple comme dans les hautes sphères. Néanmoins, William Shakespeare n’est pas le seul à réclamer la paternité d’Hamlet… Au moment même où il s’oppose à l’arrestation de ses comédiens par les forces de l’ordre, un autre homme est en train de négocier la vente du manuscrit.

Et pour ce dernier une chose est sure : Shakespeare n’est pas l’auteur de cette pièce et le dramaturge est un imposteur !

 William Shakespeare a-t-il existé ?

L’histoire nous dit que le plus célèbre poète, dramaturge et écrivain anglais est né le 23 avril 1564 à Stratford Upon-Avon. Mais de ça comme du reste, personne n’en est complètement sur. En fait, toute la vie et l’œuvre de William Shakespeare sont entourés de mystères.

Premièrement, plusieurs critiques postulent que le dramaturge n’a pas vraiment existé.  Certes, la plupart des spécialistes sont aujourd’hui d’accord pour identifier Sir William Shakespeare comme l’auteur des pièces. Mais cela n’a pas toujours été le cas… Des écrivains comme Walt Whitman, Mark Twain, Henry James ou Sigmund Freud ont tous douté que le citoyen de Stratford nommé William Shaksper ou Shakspere ait réellement composé les œuvres qui lui sont attribuées.

Pourquoi tant d’interrogations me direz-vous ? En fait, beaucoup pensent que ce petit-fils de paysan n’a jamais eu le « niveau littéraire » pour écrire ce qu’il a écrit, faute d’éducation, et que ce sont des aristocrates comme Francis Bacon, Christopher Marlowe, John Florio, la reine Élisabeth I^re ou le roi Jacques I^er d’Angleterre qui se sont cachés derrière le pseudonyme de Shakespeare (à l’époque, les grands seigneurs pouvaient écrire et faire circuler leurs textes à la cour, mais n’avaient pas le droit de les publier). Dans son autobiographie Francis Bacon a même clamé avoir « réalisé des œuvres diverses, comédies, tragédies, qui ont connu une grande renommée sous le nom de Shakespeare ».

Au-delà de ces conjectures, il est admis de manière quasi-unanime que Shakespeare n’inventait pas le thème de ses pièces et piochait le fonds traditionnel comme c’était la coutume à l’époque… Comme l’explique un spécialiste français de la question Shakespearienne, François Laroque, dans un entretien à l’Express : « à l’époque, il n’y avait pas de droits d’auteur. Toute sa vie, Shakespeare n’a fait que prendre des textes et les mettre en musique et en scène. Le dramaturge passe son temps à réécrire. À l’époque, ça ne choque personne. Par contre, aujourd’hui, c’est totalement interdit. Il faut l’autorisation de l’auteur, et il faut payer. Je pense que la notion de plagiat n’a pas du tout le même sens aujourd’hui et à l’époque. »

Le manga qui nous intéresse aujourd’hui, 7 Shakespeares suit en partie cette thèse et propose une multitude d’auteurs ou de co-auteurs, 7 si on en croit le titre. Mais à travers ce seinen, Harold Sakuichi tente également de résoudre un autre mystère : la disparition pendant 7 longues années de William Shakespeare… De 1585 où il quitte Stratford à son apparition à Londres en 1592.

On s’attend donc à suivre Sir William et sa vie pendant cette période… Et pourtant, surprise, le tome 1 ne nous parle – quasiment – pas de notre écrivain britannique. Mais ce premier opus n’est pas sans intérêt pour autant….

Un premier tome inattendu…

Le premier chapitre de 7 Shakespeares se situe bien à Londres où l’on découvre William Shakespeare, l’officiel, son œuvre Hamlet et les premières questions sur son écrivain d’origine.

Mais à peine ces bases sont-elles posées que nous partons quelques années en arrière pour nous focaliser sur l’histoire de Li, une jeune chinoise qui possède depuis sa plus tendre enfance le don de prophétie. Contre toute attente le mangaka nous plonge donc dans une destinée cruelle et prenante, celle d’une jeune fille vue comme une sorcière. Annonçant sans jamais se tromper le décès des gens qui l’entourent, elle et sa famille deviennent rapidement des pestiférés.

Toutes les vérités ne sont pas donne à dire et celles que prophétise Li, parfois bonnes mais souvent mauvaises, ne font que susciter la peur des gens, effrayés comme toujours par ce qu’ils ne peuvent pas comprendre.

C’est donc sur une tragédie que commencent 7 Shakespeares, mais il faut avouer qu’ont s’attendait tout de même à tout autre chose. La vie de Li finit bien sur par croiser celle de Shakespeare, mais on aurait envisager d’autres personnages. Heureusement la surprise ne tourne pas à la déception et le très grand potentiel derrière le mystère historique nous donne envie d’aller plus loin. Comme tout puzzle qui se respecte, on ne peut pas prétendre connaître et jauger l’image d’ensemble avec aussi peu de pièces. Mais peut-être qu’une publication des 2 premiers tomes simultanément au lieu du seul tome 1 aurait pu régler le problème.

Du coté du graphisme, il est d’un excellent niveau et on se fait rapidement au chara-design un peu exagéré de l’auteur, avec des bouches souvent surdimensionnées. Elles peuvent paraître grotesque au premier abord mais elles apportent un plus indéniable dans l’expressivité des personnages. Ces « tronches » sont aussi un plus sur le plan comique, en donnant une tournure caricatural à nos protagonistes. On notera également que le héros de l’histoire, Sir William Shakespeare est très bien croqué avec un regard aussi bien intense qu’intelligent, qui le rend rapidement charismatique. Harold Sakuichi n’a pas 20 ans de métier pour rien.

7 Shakespeares commence sous des auspices plutôt favorables, grâce à la nature de son histoire, mystérieuse et intrigante, et le talent de son auteur Harold Sakuichi sur les plans du graphisme et la mise en scène. Mais ce seinen fera (ou ne fera pas) ses preuves sur le long terme, donc rendez-vous en juin pour la sortie du tome 2 et la suite des aventures de Sir William.

Titre : SHICHININ NO SHAKESPEARE – 7 Shakespeares
Auteurs : Harold Sakuishi
Date de parution : 04 avril 2012
Éditeurs fr/jp : Kazé Manga / Shôgakukan
Nombre de pages : 292 pages
Prix de vente : 9.99 €
Nombre de volumes : 1 et 6 au Japon (en cours)

SHICHININ NO SHAKESPEARE © 2010 Harold SAKUISHI / Shogakukan Inc.

N’oubliez pas de tenter votre chance  au concours de ce blog pour remporter ce tome 1 !

Après Soul Eater qui m’a récemment déçu et Saint Seiya Omega qui ne me concerne finalement plus, je suis retourné lire du manga à la pelle pour vous en dégoter quelques uns qui valent le coup. Cette semaine c’est chez Ki-oon que j’ai fais bonne pioche, avec leur nouveau titre de fantasy moyenâgeuse : Wolfsmund, de Mitsuhisa Kuji.

Ce titre est publié depuis 2010 dans le magazine bi-mensuel Fellows!! (Bride Stories) de l’éditeur Enterbrain. Le genre abordé, la fantasy, n’est guère surprenant lorsque l’on sait que le mangaka est l’ancien assistant de Kentarô Miura (Berserk). L’occasion également d’en savoir un peu plus sur l’époque et le lieu de naissance du pays des Helvètes : la Suisse. Le premier tome est sorti chez nous le 12 avril dernier et l’histoire compte pour l’instant 3  volumes au Japon.

Voyons maintenant comment le mangaka s’en sort pour sa première tentative…

Passer le col du loup, ou mourir…

Les Alpes, XIVe Siècle.

Entre le royaume de Germanie et l’Italie la célèbre chaîne montagneuse forme une barrière quasiment infranchissable. Le seul axe qui traverse ces sommets est le col du Saint-Gothard. Pour préserver les intérêts économiques et territoriaux autour de ce point névralgique, les cantons d’Uri, Schwytz et Unterwald signent un traité commun et tentent de se soutirer à l’autorité germanique. Mais la famille des Habsbourg ne l’entend pas de cette oreille et y voit une bonne occasion de renforcer sa présence sur la frontière. Le Duc Léopold 1er d’Autriche mobilise la cavalerie et envahit les 3 cantons pour réprimer la révolte dans un bain de sang.

La résistance s’organise pour l’indépendance mais un obstacle sans pitié est désormais sur pied : Wolfsmund, la gueule du loup. Entre l’Autriche et l’Italie c’est un passage obligé pour l’organisation de la résistance. Mais aucun rebel n’a jamais réussi à le franchir car les murs de cette forteresse cache un cruel bourreau : Wolfram, le maître des lieux, qui a toujours réussi à déjouer tous les subterfuges des résistants et hors la loi souhaitant traverser son domaine.

Et quiconque tente de jouer un mauvais tour à ce loup doit être bien sur de lui, car s’il échoue, il y perdra la tête !

Wolfsmund ou l’histoire des petits suisses pour les nuls

Le col du Saint-Gothard existe bel et bien et les faits historiques qui servent de base pour le ce récit le sont tout autant, mais on n’en perçoit pas – en tout cas pas encore dans ce premier volume – toute la portée. Le traité des cantons sus-mentionnés est en effet l’un des actes fondateurs de la république Helvétique, aussi je me permets de vous raconter la petite histoire, en version accélérée, de nos amis fabricants de Ricola…

Les suisses sont à l’origine les helvètes, et leur arrivée dans leur futur pays commence en 58 avant JC, lorsqu’ils échouent à s’installer dans le sud-ouest de la Gaule, battus par les armées de notre cher Jules, chef des romains. Ils font alors parti de l’Empire romain puis vont pendant un millénaire se faire balader entre différents peuples : le territoire suisse est occupé par les Burgondes et les Alamans au V^e siècle puis incorporé successivement aux royaumes de Bourgogne, des Francs, à l’empire Carolingien et enfin il est rattaché au XI^e siècle au Saint-Empire romain germanique, celui là même qui nous intéresse dans notre histoire.

Quand est-ce que la Suisse devient la Suisse alors ? Et bien, officiellement, l’histoire de nos chers chocolatiers date de 1291. Cette date n’est pas choisie par hasard bien entendu, elle correspond au plus vieux document écrit connu parlant d’une alliance entre nos 3 fameux cantons suisses : Uri, Schwytz (qui donnera son nom à la Suisse) et Unterwald. Un papier qui marque le début d’un combat contre le Saint-Empire qui va durer jusqu’en 1315… Et c’est là que Wolfsmund semble tenter une voie différente.

Normalement en 1315 les helvètes vont défaire Léopold 1er lors de la bataille de Morgarten, là où Mitsuhisa Kuji semble indiquer que le premier assaut du monarche autrichien est victorieux, au début en tout cas. On suppose donc que l’action se situe entre la signature du pacte en 1291 et la bataille de 1315 et plus précisément entre 1307 et 1315, puisqu’on assiste au retour de Guillaume Tell dans sa province, après le légendaire évènement du tir dans la pomme sur la tête de son fils, en novembre 1307. La forteresse du tyran continuera-t-elle à maltraiter les indépendants helvétiques ad vitam ? A priori non mais pour connaître le comment, il faut attendre la suite de Wolfsmund, qui a d’ailleurs d’autres attraits que ces simples fragments d’histoire…

Mais cette histoire, Helvétie bien ou pas bien ?

Oui, Wolfsmund est un titre qui démarre bien. Si on commence par l’aspect visuel, il n’y a pas grand à redire du trait du mangaka : net et plutôt anguleux, il nous présente des guerriers taillés dans le roc et de jeunes demoiselles, tout aussi dangereuses, mais au forme beaucoup moins austères. Les personnages sont dans des costumes et armures d’époques relativement simples, qui sont plus là pour faire office de symbole ou d’objet fonctionnel que pour être admiré de par leurs fioritures. Les décors sont plutôt réussis avec une mention pour l’intrigante forteresse du col, aussi imposante qu’inquiétante.

A chaque subterfuge déjoué ou chaque tentative déjouée, Mitsuhisa nous emporte alors dans des courses effrénées ou des affrontements à haute tension. Les combats sont en effet fréquents et constituent l’un des bons points de ce premier volume : les luttes, toutes à mort, dégagent une grande intensité grâce à des plans bien pensés, des visages très expressifs (mais sans trop en faire) et une chorégraphie tout à fait lisible. Les tentatives de fuites transpirent également l’adrénaline car l’on sait que l’issu du capturé sera fatale.

C’est d’ailleurs le deuxième point remarquable de Wolfsmund : son ambiance… Ce premier tome présente 3 histoires, 3 destins et 3 duos. On découvre un chevalier servant et la princesse qu’il jure de protéger, une combattante surdouée qui remplit une mission pour son prince ou enfin le Che Guevara de la Suisse, Guillaume Tell, accompagné de son fils. Qu’on prenne ou non fait et cause pour tous ces tandems, on apprécie leur droiture et leur détermination à mener leur mission à bien. Sachant que l’échec est synonyme de décapitation et que l’ennemi est un oppresseur cruel et implacable, on ne peut qu’espérer que ces héros s’en sortent et passent le col.

Mais ce manga ne vas pas vous parler d’histoires qui finissent bien. Réaliste et sombre, très sombre, voici une danse cruelle et macabre menée de main de maître par Wolfram, bourreau, taulier et homme de main du duc Leopold. L’homme est malin, paraît inoffensif et bêtement souriant mais il ne faut pas s’y laisser prendre pour garder la tête sur les épaules.

Mais tout muraille a une faille et le col du Saint-Gothard ne fait pas exception… Donc vivement la suite, le 14 juin prochain !

Titre : Ôkami no Kuchi – Wolfsmund
Auteurs : Mitsuhisa KUJI
Date de parution : 12 avril 2012
Éditeurs fr/jp : Ki-oon / Enterbrain
Nombre de pages : 208 pages
Prix de vente : 7.65 €
Nombre de volumes : 1 et 3 au Japon (en cours)

© 2010 Mitsuhisa Kuji

Aujourd’hui je laisse de coté les écouteurs de j-music et les tankōbons pour vous parler d’animation. Si je suis maintenant de très loin la japanime quelques noms parviennent tout de même à mes oreilles et, pour cette nouvelle saison de printemps, deux séquelles se démarquent du lot : celles d’Eureka Seven et de Saint Seiya.

Plutôt inquiet à la vue du premier trailer de ce second, j’ai été convaincu de tester Saint Seiya Omega sur les conseils de l’ami Kevin B. qui m’avouait être agréablement surpris par le premier épisode de cette nouvelle saga. Voyons si votre serviteur, qui a découvert l’animation dans les années 80-90 avec la toute première adaptation de l’œuvre de Masami Kurumada, sera du même avis !

Saint Seiya Omega : on prend pas les mêmes mais on recommence !

Il était une fois Saori et un bébé joufflu qui font joujou sur un parterre de fleurs entourés de colonnes grecques… Tout va bien mais ça ne peut décemment pas durer, évidemment. À peine le jeune bambin à la parenté suspecte entame une nouvelle série de gazou gazou que l’atmosphère s’alourdit : une motte de terre s’envole et une dimension parallèle s’ouvre, laissant apparaître une planète inconnue et un être à la voix rauque et à l’aura hostile…

On dirait que Saori est encore dans la merde. Nous v’là bien.

Heureusement, sitôt miss chevelure de lilas attaquée, sonnez trompettes, un éclair doré débarque et stoppe net le coup qui eut pu être fatal. Mais quel est donc ce miracle et cet être de lumière venu secourir la belle ? Golgen Superman, Shinny Avenger, un danseur disco qui a perdu sa route vers le dance floor ? Que nenni mes amis, que nenni !

Il s’agit, vous l’avez deviné, de notre cher Seiya dans son armure du sagittaire…

Et heureusement qu’elle est là cette armure, tant on peine à reconnaître notre chevalier Pégase sous ses nouveaux traits signés par le chara-designer Yoshihiko Umakoshi (Casshern Sins, Doremi, Gokinjo Monogatari). Le style est simpliste et plutôt moderne, un mix entre l’ancien Saint Seiya et Code Geass. Qu’on aime ou pas cette nouveauté, il va falloir s’y faire : Shingo Araki n’est plus et Michi Himeno est passée à autre chose.

Puisque l’on parle du staff, la réalisation est attribuée à Morio Hatano (une première à ce poste pour ce réalisateur d’épisode inexpérimenté) et Reiko Yoshida, qui connait bien mieux la musique avec à son actif des animes comme Bakuman, D.Gray-Man ou encore K-ON. Le style et les acteurs sont donc renouvelés, pourront-il égaler leur prédécesseurs ? Pour le savoir, revenons à nos moutons : Seiya versus le gros vilain masqué avec son astre tellurique en bandoulière…

Le combat commence, chacun y va de son attaque et on finit sur un fondu au clair où le jeune marmot admire les météores de son idole… Le moment est bien choisi, voici qu’arrive le générique dont on m’a dit plutôt du bien :

La nouveau Pegasus Fantasy par le groupe MAKE UP – a qui on doit l’original pour la saga du sanctuaire – est accompagné par Shoko Nakagawa. La reprise plutôt rock est réussie et ne choque ni les oreilles ni les yeux. Un bon point donc. Passons à la suite et au premier épisode dans son ensemble.

De l’eau a coulé sous les ponts et le jeune bambin, qui répond au nom de Kôga, a bien grandi. Les souvenirs de l’affrontement sont bien loin et le jeune adolescent qu’il est devenu ne voit pas vraiment pourquoi on veut faire de lui un chevalier sacré. Entrainé jour après jour par l’intransigeante Shina, il n’en fait qu’a sa tête et a bien envie de se rebeller contre ce destin qu’on a choisi pour lui : pourquoi doit-il protéger une déesse grecque du nom d’Athéna qu’il n’a jamais vu ? Et pourtant un cosmos surpuissant sommeille en lui et il comprend bien que son destin n’est pas ordinaire…

Seulement, comme dans tout shōnen standard, pas de temps pour les questions existentielles : s’il ne sait pas encore qui est Saori, il va l’apprendre très rapidement. L’adversaire qui a emporté Seiya des années auparavant a refait surface pour enlever Athéna. Ce colosse a un nom, Mars, le dieu romain de la guerre, l’équivalent de la divinité grecque Arès (je le précise pour les pauvres âmes qui, comme moi, sont allés voir la Colère des Titans récemment). Si on comprend mieux maintenant pourquoi Mars trimballe une planète dans son dos, on ne sait pas encore totalement pourquoi il en veut au cosmos de notre déesse en robe blanche.

Toujours est-il qu’il ne lui veut pas du bien et ça, même ce jeune écervelé de Kôga le comprend. Lorsqu’il voit Shina se faire terrasser par la divinité obscure, son cosmos ne fait qu’un tour et ses pouvoirs s’éveillent !

L’armure de Pégase répond alors à cet appel et Kôga se lance dans la bataille !

Fin du premier épisode.

Ah Seiya Seiya Seiya, tous les chevaliers à la lanteeerne !

Nous voilà pris au jeu sans être totalement convaincu. Certes la série n’a pas vraiment de défaut majeur. Le graphisme est correct et l’animation brille lors des combats entre chevaliers, qui sont sans conteste les instants phares de ce début de saison. Comme je le disais plus haut le chara-design est plutôt simpliste et on oscille entre des gros plans appréciables, des plans moyens ou américains pas terribles et des plans panoramiques où des décors réussis prennent alors la relève. C’est donc sympathique, avec un niveau bien au-dessus de la catastrophe annoncée, mais ce n’est certainement pas inoubliable.

Néanmoins le générique nous a dévoilé des nouvelles têtes et donc de nouveaux chevaliers. La curiosité a le dernier mot… Lançons-nous dans ce second épisode.

 Après 24 premières minutes dynamiques qui sont là pour lancer la série, la suite est  une introduction plus globale dans l’univers de nouveaux Saints. Pour faire court le jeune et encore immature Kôga n’a pas pu venir à bout de Mars. Revoilà donc Saori capturée : après la flèche dans le cœur, la neige, l’eau et les enfers, notre chère dame d’honneur a été emprisonnée dans le vide intergalactique. Oui je sais, encore. Si un jour je dégote une Saori en figurine je crois que je la bloquerais dans un bocal à cornichon placé dans le congélateur, histoire qu’elle ne soit pas trop dépaysée par l’air libre. Mais bref…

Sauvé in extremis par Shina, le jeune Kôga n’a d’autre choix que de partir à l’aventure et de quitter l’île où il a grandi pour retrouver Saori et accomplir sa destinée de cavalleros.

Comme cette série n’a décidément pas de temps à perdre, à peine notre Seiya next-gen a fait deux pas qu’il croise son nouveau compagnon de route : Sôma du Lionet, ex-chevalier de bronze mineur de la saga d’origine, qui a cette fois-ci l’un des rôles principaux. À l’inverse de Kôga qui a vécu une enfance isolée, Sôma en connait un rayon sur les chevaliers d’Athéna et nous dévoile même quelques nouveautés de Saint Seiya Omega : chaque chevalier est affilié à un des 7 éléments : le feu, l’eau, l’éclair, la terre, le vent, l’obscurité et la lumière.

Une fois de plus les scénaristes et réalisateur ont décidé de renouveler le mythe et ce second épisode confirme l’impression que donnait le premier : on s’adresse à un jeune public, qui n’appartient pas forcément à la génération de la série originelle. Saint Seiya est une série trop vieille pour que la nouvelle génération s’identifie à ses héros nés dans les années 80 et 90. Avis donc aux fans de la première heure et aux nostalgiques : Saint Seiya Omega n’est pas fait pour vous.

Les anciens chevaliers sont là uniquement pour passer le flambeau car les héros de cette histoire sont des adolescents qui doivent tout apprendre et qui risquent de vous énerver rapidement. Nous avons tous grandi depuis la bataille du sanctuaire. Les interrogations et les doutes de nos chevaliers de bronze Shingo Arakien ne nous sont supportables que parce qu’elles étaient les nôtres à l’époque ou parce qu’elle nous les rappelle. Pour achever les plus âgés d’entre-vous, sachez que l’épisode 3 renvoie Kôga et Sôma à l’académie des chevaliers, un passage que nous avions heureusement évité dans la série initiale, qui se situait dès le départ dans un monde d’adulte, même avec des héros de 15 ou 16 ans.

En résumé, un éminent philosophe des années 80 et 90 l’a déjà dit avant moi : J’suis trop vieux pour ces conneries ! (Danny, si tu nous écoute, on pense à toi.)

Saint Seiya Omega est donc une œuvre totalement nouvelle issue de la saga mythique de Masami Kurumada. N’ayant plus rien à voir avec les années Shingo Araki, cette nouvelle série se démarque par son graphisme mais aussi par un scénario fait pour un public relativement jeune. La réalisation est à la hauteur mais les nouveaux chevaliers devront retourner au charbon pour convaincre une nouvelle génération … En auront-ils les épaules et est-ce que la Toei leur laissera suffisamment de temps ?

Ce mois-ci je vous propose de jouer pour un seinen extrêmement tentant, 7 Shakespeares, inspiré d’une partie de la vie du célèbre dramaturge William Shakespeare… Et cette version n’est pas signé par n’importe qui car le mangaka n’est autre que Harold Sakuishi… Vous ne voyez pas qui c’est ?

Né en 1969, Harold Sakuishi est un jeune mangaka qui a déjà plus de 20 ans de carrière derrière lui. Son premier manga, Gorillaman, est édité en 1989. Il comptera 19 tomes, fait assez rare pour une première œuvre. Suivront ensuite deux autres œuvres Bakaichi (1995) et Stopper Busujima (1996) avant qu’il ne se consacre à Beck, son œuvre la plus longue (34 tomes) et la plus connue.

Pour revenir à 7 Shakespeares, en voici le synopsis officiel :

Londres, 1600 

Dans le quartier libre, alors que les forces de l’ordre s’apprêtent à interrompre la représentation de Hamlet, et à mettre aux fers les comédiens, un homme s’interpose : il prétend être William Shakespeare, l’auteur de la pièce qui est jouée. Non loin de là, dans une taverne, un homme négocie la vente du manuscrit dérobé de Hamlet, mais ses interlocuteurs l’accusent d’imposture. Laissé seul avec son manuscrit dans les mains, l’homme crie alors qu’il a connu Shakespeare dans le passé et que le dramaturge lui-même, n’est autre qu’un imposteur…

Car dans ce monde de faux-semblants, chaque rencontre, chaque événement dramatique dessine une pièce supplémentaire du puzzle Shakespeare.

Le premier tome est sorti le 4 avril dernier et c’est 3 exemplaires qui sont mis en jeu par Kazé Manga, que je remercie chaudement ! Maintenant c’est à vous de jouer

Un petit rappel des règles au passage. Comme d’habitude vous avez donc le choix entre la grille ci-dessous, le puzzle sur Facebook et Google + ou les deux. Le modus opérandi est le suivant :

• 1. Jouez sur le blog (grille ci-dessous) ou allez faire un tour sur la page Facebook ou Google +de Paoru.fr, devenez fan et rendez-vous dans l’album photos Concours Paoru.fr
• 2. Sur Facebook ou G+ : identifiez sur l’image du mois (celle de mars cette fois-ci) les 12 tomes présents .
• 3. Sur le blog : trouvez les 12 mots à l’aide des définitions. La grille sera bien sur consacré à 7 Shakespeares, son auteur, ses éditeurs et même la vie du dramaturge.
• 3. Envoyez les noms des tomes et séries et/ou les mots de la grilles et l’adresse concours@paoru.fr, le tout avant le 01 mai à minuit !

Trois gagnants seront tirés au sort parmi les bonnes réponses et leurs noms seront annoncés le 02, en même temps que le nom des séries de tomes mystères.

Voici la grille de mots croisés du blog, spécialement dédiée à 7 Shakespeares, comme expliqué au-dessus.

Amusez-vous bien et bonne chance

En cette période électorale, je me dis que « Le changement dans la continuité » est une parodie de slogan qui aurait pu être écrite pour les shōnens… Ça tombe bien c’est le thème du jour !

Après One Piece, Naruto et Bleach, intéressons-nous cette fois-ci à Soul Eater, la tête d’affiche de Square Enix / Kurokawa signée par Atsushi Ohkubo. Le 19ème tome, en date du 22 mars, est l’occasion de rebondir, disserter et débattre de l’arc Eibon – Noah qui vient de s’achever. Après le réveil du Grand Dévoreur et dans le prolongement de la saga Arachné, que valent les dernières aventures de Soul, Maka, Kid & Black Star ?

Je vous laisse donc lire… Et réagir !

Attention [Spoil Inside !]

Pour recycler un personnage de manga, c’est la poubelle jaune ?

Pour peser correctement le pour et le contre, effectuons un petit retour d’un an en arrière, à quelques jours près. Nous sommes en mars 2011 et le tome 14 vient de sortir. Un mystérieux et obscur personnage vient de faire son apparition : maître Eibon. Censé être un illustre inventeur d’artefacts non-moins légendaires, le sieur est en fait un métissé beau-gosse, casquette vissé sur la tête et sweet noué autour de la taille. Yo !

Cet ersatz de bad boy n’est en fait pas l’ancêtre escompté mais un imposteur du nom de Noah. Afin de bien marteler au lecteur que cet adversaire n’est pas le premier venu, il éradique le puissant Mosquito (aka serviteur vampirique / boss de demi-niveau) et kidnappe dans la foulée notre jeune dieu de la mort, Kid. Fin du premier acte, fondu au noir…

Car pendant ce temps, il reste un arc arachnéen à finir… Ce que tente de faire Atsushi Ohkubo sans totalement y parvenir. Le mangaka choisit d’emprunter une voie facile et couvre ses arrières en évitant de faire mourir ses personnages, au cas où… Un processus commode mais à double tranchant :  il limite la prise de risque et donne l’occasion de de conférer un peu de richesse et de densité aux personnages sous exploités. L’élite de la nouvelle promo de Shibusen, le spartoi, se forge petit à petit un avenir. À surveiller…

Mais de l’autre côté, pour un shōnen qui veut durer, le renouveau n’est pas une option. Qu’il s’agisse de reconversion, de recyclage, de renaissance peu importe le nom que prend la répétition : à trop forte dose c’est la lassitude qui s’installe.

Jusqu’ici Soul Eater se démarquait pourtant par une galerie de protagonistes et de héros plutôt brillants : Black Star  & Tsubaki ou Kid & les jumelles sont d’efficaces têtes d’affiches, tandis que les seconds rôles tenus par les étudiants (Ox, Kirik) ou les enseignants (Franken) n’ont pas à rougir. Malheureusement difficile d’en dire autant pour le duo phare de la série : Soul & Maka. Alors que nos deux adolescents viennent de terrasser une sorcière et accèdent enfin au rang de Death Scythe, on pouvait s’attendre à une réelle évolution. Surtout lorsque l’auteur lui-même l’annonce, en préambule du tome 16…Mais non.

Le couple continue de faire du surplace et on s’étonne même qu’il puisse gagner en pouvoir alors qu’il stagne dans les même rengaines, entre manque de confiance et relation platonique. Cet arc ne sera donc pas celui de la maturité, ni pour l’histoire, ni pour nos deux héros. Un jour, peut-être, ils grandiront et ressembleront à ce fan-art :

Certes, il est difficile de garder tous ces protagonistes au top. Mais un scénario passif voir répétitif ne va pas non plus les aider : Chrona est à nouveau sous la coupe de sa mère Médusa et replonge dans la solitude et la folie, pendant que Justin, ex-Death Scythe et Giricco, ex-serviteur d’Arachné, vont venir prendre les postes d’hommes de main de Noah, faute de mieux. Dans cette bande le nouveau personnage du nom de Gopher est vaincu dès le début du cycle et peine à sortir de son rôle du fidèle adorateur frustré par le désintérêt de son maître.  Et pourtant il survivra à ce dernier, pour être lui aussi ré-exploité ultérieurement. Combat – défaite – mort. On peut parfois échapper au triptyque, mais il serait bon de l’appliquer plus souvent…

Finalement le dernier arc Eibon ou est mauvais ?

Pendant plusieurs volumes Atsushi Ohkubo n’apporte donc pas grand chose de neuf à l’histoire et préfère développer la personnalité de ses rôles secondaires. Pendant ce temps Noah fait office d’imposteur de maître Eibon et pâle figure pour le poste de rival en chef… On nous ressert le coup du dresseur / collectionneur qui utilise son pokélivre pour envoyer quelques monstres lutter à sa place. Le bilan est donc plutôt décevant et on ne peut que regretter la présence précoce d’artifice à la Bleach dans une série qui compte pourtant moitié moins de tome.

Fort heureusement le graphisme et l’univers très personnel du mangaka restent des valeurs sures. Pendant que les personnages et l’histoire font du sur place, le trait d’Ohkubo continue d’avancer et d’évoluer pour se rapprocher de ses ainés en la matière, en gagnant en maîtrise et en volume. Ses délires graphiques sont dignes d’un Tim Burton qui aurait avalé un groupe de punk et ne sont pas sans remémorer, sur le principe, les excentricités jouissives de Yoshihiro Togashi à son époque Yuyu Hakusho.

Tout n’est pas non plus à jeter, loin de là, et la série continue délivrer quelques bons moments, en jouant sur l’humour noir ou la démesure, comme le prouve les réactions des élèves de Shibusen lors du retour de l’exécrable Excalibur dans le tome 18. Les quelques combats au corps à corps ou au pistolet avec Black Star, Kid ou Stein sont elles aussi des armes extrêmement efficaces et méritent à elles seules le déplacement… Même si elles se font trop rares et qu’on espère retrouver rapidement le niveau atteint dans les tomes 13 et 14 et leurs duels de haute tenue.

Avec ces derniers tomes, Soul Eater peine à négocier le virage du vingtième volume. Après deux arcs réussis, Atsushi Ohkubo essaye de se renouveler, mais force est de constater que l’intention a du mal à se concrétiser pour l’instant. Le graphisme et l’univers sont toujours aussi distrayants mais sans un némésis d’envergure et le scénario qui va avec, nos héros vont rapidement tourner à vide… Et dans le monde ultra-concurrentiel des shōnens, les lecteurs ne feront pas de cadeau !

Visuels © Atsushi Ohkubo / SQUARE ENIX Co. Ltd.

Lors du dernier Paris Manga je vous ai fait part de ma rencontre avec quelques grandes figures de l’animation : Toshihiro Kawamoto et Yasuhiro Irie. Le premier est mondialement connu pour son travail de chara-designer et ce fut donc l’occasion d’un petit tribute chez Total Manga, qui regroupe l’interview faite avec mes confrères de Manga-news ainsi que les nombreuses questions et réponses qui pullulent sur le net.

Yasuhiro Irie est beaucoup moins connu du grand public même si sa carrière a commencé il y a de nombreuses années, comme je vous l’expliquais dans sa biographie. Le nom de cet homme – on ne peut plus discret - est pour l’instant soudé à la série Fullmetal Alchemist Brotherhood dont il est le réalisateur, mais sa passion pour l’animation pourrait l’emporter encore plus loin dans les années à venir. C’est donc une entrevue placée sous le signe des frères Elric que je vous propose aujourd’hui, pour en savoir un peu plus sur cet animateur passionné.

Bonne lecture

Bonjour monsieur Irie… Qu’est-ce qui vous a amené à travailler dans l’animation ?

C’est en voyant Nausicaä au cinéma que j’ai décidé de me lancer dans l’animation. J’avais déjà ressenti une forte émotion en voyant Conan, le Fils du futur qui m’a fortement marqué.

En découvrant Nausicaä j’ai ressenti à nouveau ce sentiment et je me suis demandé qui avait produit ces deux animations.  Je me suis aperçu que c’était la même personne, Hayao Miyazaki, et voir que l’on pouvait susciter autant d’émotions avec juste de l’animation m’a donné envie de me lancer.

Je voulais concrétiser l’imaginaire avec l’animation.

 Vous êtes resté animateur pendant plusieurs années avant de faire passer réalisateur. Quels souvenirs gardez-vous de cette période ?

Je ne considère pas ces années comme une expérience désagréable, mais plutôt comme un passage logique et nécessaire. Quand je suis rentré dans le monde de l’animation, je voulais déjà devenir réalisateur mais il me fallait d’abord apprendre et maîtriser les différentes ficelles du métier.

 Quel a été votre rôle dans Fullmetal Alchemist puis Fullmetal Alchemist Brotherhood ?

Pour la première saison j’ai travaillé sur le premier opening, en participant à sa réalisation, mais je n’ai pas participé à l’anime lui-même. Donc quand on m’a confié les rênes du projet Brotherhood,  j’ai choisi de l’aborder comme quelque chose de totalement nouveau.

 Pour ce nouveau projet, est-ce que vous avez tout de même voulu retenir certaines choses de la première saison ?

Je l’ai vraiment approché comme une nouvelle œuvre en me basant sur le manga. Donc s’il y a des similitudes c’est qu’elles viennent du manga et non pas du premier anime. La production et le sponsor marchandising nous ont cependant demandé de faire attention à un personnage :  Roy Mustang, un personnage très populaire. On nous a demandé de faire attention à sa popularité et, si possible, de l’accroitre encore davantage.

 Quel est le plus que vous avez essayé d’apporter à Broterhood ?

Les choses en plus par rapport au manga n’ont pas vraiment été des nouveautés, mais elles ont été parfois dévoilées avant le manga. En fait nous avons eu accès aux names de l’auteur, donc nous avons pu travailler sur les personnages, leurs réactions par rapport aux événements et leur destin. Et le tout avant que ça n’arrive sur le manga.

Est-ce que vous avez une anecdote sur la réalisation de Brotherhood ?

Oui, par rapport à la durée de l’anime. Initialement, l’anime devait s’étaler sur un an mais il a finalement duré 15 mois. En fait, lorsque nous nous rapprochions du dénouement, on nous a appris que le manga allait continuer un peu plus longtemps que prévu.

Ceci posait problème car nous allions dévoiler la fin de l’histoire bien avant que le manga ne se termine… La situation était donc très complexe. Nous envisagions alors de faire une pause, pour ne surtout pas révéler la fin du manga si tôt. Mais en entendant ça le producteur de la série nous a tout simplement dit : « oh non, pas la peine, produisez trois mois de plus, c’est bon. » Et donc ça c’est décidé en deux temps trois mouvements.

D’un coté on avait donc toute la production, folle de joie car le problème était résolu, et de l’autre coté les animateurs. Quand la nouvelle est arrivée sur leur bureau, ils ont été très surpris : «On ne fait plus 52 épisodes ? 64 ? Mais tout était fait pour 52 ! » Donc ça a été un peu la panique pendant un petit moment pour savoir comment aborder tout ça ! (Rires)

Le contrat devait en effet s’arrêter à 52 épisodes et plusieurs personnes du staff était attendu par la suite sur d’autres projets. Mais vu leur attachement pour cette série, tout le monde a déplacé son planning pour finir la série comme il se devait.

Et je souhaite vraiment les remercier pour ça !

 Maintenant que vous êtes réalisateur pouvez-nous nous dire ce qui est le plus difficile dans ce métier ?

La chose la plus pénible c’est d’avoir conscience de tous les domaines qui entrent en jeu dans un anime et de savoir les gérer. Si un jamais un seul de ces domaines est en panne, va trop doucement ou même trop vite, ça risque de bloquer toute la machine.

Il faut alors prendre ses responsabilités et c’est le poids de ces responsabilités qui est le plus difficile. Mais lorsqu’on arrive à réaliser une œuvre qui plait au staff de production et qui séduit le public, c’est vraiment l’une des grandes joies de ce métier.

 Vous avez travaillé pour des genres différents, quels sont vos préférés ?

Plutôt qu’un genre, ce que je préfère c’est une histoire où le héros va arriver à surmonter des crises et va pouvoir aller au delà de lui-même, pour dépasser ses tourments intérieurs ou ce qu’il a pu subir par le passé.

J’aime que les protagonistes principaux aient une vraie soif de vivre et qu’elle soit transmise au spectateur.

 Quels conseils pouvez-vous donner à ceux qui voudraient devenir animateur ou réalisateur ?

Ce qui me semble important c’est d’aimer l’animation. Ensuite il ne faut pas se limiter à l’animation et s’intéresser également aux films, aux romans… S’ouvrir à  tous les différents genres.

Il faut aussi savoir communiquer avec le public. Réaliser une œuvre c’est créer un style de communication vers le public et il faut en être conscient afin de l’utiliser intelligemment, pour pouvoir exprimer ce que l’on souhaite.

 Sur quoi travaillez-vous actuellement ?

Je suis sur différent projets qui n’ont pas de rapport de près ou de loin de Fullmetal Alchemist, dans des styles assez variés. Mais je ne peux pas vous en dire plus car tout est encore en production. Mais lorsque que ces animes seront diffusés, j’espère que vous les regarderez et qu’ils vous plairont !

 Est-ce qu’il y  un manga que vous rêveriez d’adapter ?

Les mangas d’Igarashi Daisuke, dont j’apprécie autant les dessins que le scénario : Witches, Les Enfants de la Mer et d’autres.

 Merci monsieur Irie !

Remerciements à Yasuhiro Irie pour son temps, son humilité et sa gentillesse. Merci également à Emmanuel Bochew, son agent et interprète sur Paris Manga et au staff de Paris Manga. Interview réalisée en collaboration avec Manga-News et également disponible sous une forme bibliographique chez Total Manga.

Ce mois-ci ce double concours blog / Facebook a reçu une grosse trentaine de réponses complètes. Les gagnants du mois sont Atsu-chan (qui gagne pour la seconde fois, bravo !), Bryan, Laetitia et Bryan, bravo à eux ! Ils recevront prochainement par la poste le tome 1 de leur choix envoyé par la librairie Komikku que je remercie au passage. Plus d’infos sur Sam Souibgui, son gérant, dans son interview disponible ici.

Félicitations ensuite à tous les autres : adrienne, Alexis, anastasia, andrea, cbvero, damien, dende, fabien, julien, Koupine, legcoco, marie, meghann, t.bardaux, thomas et Tsukime, …et plus généralement à tout ceux qui ont essayé de résoudre les casses-têtes du mois. Merci pour les encouragements au passage

Je compte sur vous le mois prochain ! Cela fera un an que le blog organise des concours et nous profiterons des vacances scolaires pour fêter ça dignement !

Place maintenant aux réponses. On commence avec les mots croisés dédiés à Komikku :

Et voici maintenant les réponses du puzzle :

Rendez-vous courant avril pour un nouveau concours !

Il existe un genre de manga méconnu, qui dispose rarement des faveurs du grand public : le manga d’horreur. Quelques éditeurs en possèdent un ou deux titres dans leur catalogue : Hideout chez Ki-oon, Higanjima chez  Soleil, etc. Néanmoins pour plonger plus profondément dans cette branche du seinen, il ne faut pas hésiter à sortir des sentiers battus pour s’essayer à des catalogues plus « underground » (si on peut les nommer ainsi), celui des petits éditeurs indépendants.

Depuis peu je m’intéresse aux œuvres des éditions IMHO, suite à ma découverte de Bambi d’Atsushi Kaneko. Parmi toutes les propositions de l’éditeur, j’ai eu un vrai coup de cœur pour leur toute dernière sortie : L’enfant insecte, de Hideshi Hino.

Ce one-shot calqué sur La Métamorphose de Kafka appartient au sus-nommé genre du manga d’horreur. Ce type de manga n’est pas forcément le mien, mais L’enfant insecte possède de nombreuses qualités et il s’éloigne sensiblement des clichés gores et violents pour que je vous le propose aujourd’hui. Voici de quoi il retourne…

Bonne lecture ;)

Métamorphôôôôse !

Pour le jeune Sanpei Hinomoto, la vie est loin d’être un conte de fée. Moche, maladroit, peu doué pour les études, il est seul et malaimé, aussi bien en classe que chez lui… Il n’arrive pas à la cheville de sa mignonne petite sœur ou de son intellectuel de frère. Son seul rayon de soleil ce sont les animaux, et plus particulièrement les insectes. Dès qu’il le peut, il file dans son sanctuaire secret, la décharge de la ville, et se retrouve en compagnie des chiens errants et autres animaux abandonnés. Il s’adonne alors avec passion à l’étude des vers, des mouches et autres coléoptères…

Mais la vie de Sanpei bascule le jour où il est mordu par une espèce rare de cafard et il commence alors à se transformer en un insecte à taille humaine. Aux yeux de sa famille, le looser s’est changé en un monstre hideux et honteux qu’il faut absolument garder enfermé à l’abri des regards. Sanpei, maintenant muté en vers énorme, reste cloitré dans sa chambre et s’ennuie ferme, mais il comprend bien qu’il ne peut en être autrement.

Cependant, après avoir subi une tentative ratée d’empoisonnement, il doit bien se rendre à l’évidence : le vers a finit sa mue et il doit fuir le cocon familial… Le voici en route pour une nouvelle aventure. Une nouvelle vie l’attend, mais sera-t-elle meilleure ou moins cruelle que la précédente ? Rien n’est moins sur…

Les histoires d’insectes finissent mal, en général

On regarde souvent les amateurs d’insectes d’un drôle d’œil… Comment font-ils pour étudier, aimer, adorer même ces êtres à la morphologie souvent disgracieuse, qui passent une bonne partie de leur vie sous la forme de larve gluante et visqueuse. Le dégout que procure ces créatures se propage bien souvent à ceux qui en font leur passe-temps. Pour peu qu’il ne brille dans un domaine à la mode et ne dispose pas d’un physique agréable, l’insectophile sera une tête de turc toute désignée.

Dans l’enfant insecte, Sanpei est cet enfant, celui qui désespère les parents de bonnes familles par ses résultats médiocres, qui n’a aucun succès avec les filles à cause de son physique ingrat, qui ne se lie avec aucun camarade à cause de ces passions étranges pour les insectes, serpents, et autres animaux qui suscitent au choix, peur ou dégout.

Sanpei n’a donc pas grand-chose à attendre de la vie mais il s’en accommode. De toute façon, le monde des humains n’est pas vraiment fait pour lui. Il se sent plus à sa place parmi les animaux dont personne ne veut, à la décharge. Il estime même que sa solitude est un prix logique à payer pour sa médiocrité.

Sa nouvelle condition d’insecte ne va pas pour autant le tirer d’affaire. Alors que sa métamorphose le coupe définitivement du monde humain, son apparence n’en reste pas moins hideuse et menaçante pour toutes les espèces qui vont croiser sa route. Dans le règne animal, les larves géantes ne sont pas non plus les bienvenues. Une fois de plus, Sanpei est seul.

Mais contrairement à sa précédente vie où il a vécu des brimades quotidiennes, son nouveau corps n’est plus celui d’un garçon chétif mais celui d’un monstre venimeux… Et mortel. Après deux vies de solitude, que croyez-vous qu’il adviendra de notre héros lorsqu’il croisera à nouveau les humains et que ces derniers tenteront de faire de Sanpei leur trophée de chasse ?

La vengeance sera terrible…

L’horreur est humaine…

Si la vie de Sanpei est loin du bonheur, celle de son créateur Hideshi Hino n’a pas commencé non plus sous les meilleurs auspices. Il est né le 19 avril 1946 en Chine, de parents japonais. À cette époque la Seconde Guerre Mondiale vient de s’achever et il y a, en Chine, un vrai désir de vengeance anti-japonais. Avant de finir totalement lynché, Hideshi et ses parents n’ont plus le choix : il faut fuir la Mandchourie avec les autres japonais et retourner au Pays du Soleil Levant. Le futur mangaka est quasiment tué par ses compatriotes lors de son retour vers le Japon.

Une fois rentré au pays, il découvre un paysage dévasté et ruiné dans lequel il va grandir, auprès d’êtres difformes. Il cumule des une visions d’horreur qui vont le marquer ad vitam. Inspiré par les célèbres mangakas Shigeru Sugiura et Yoshiharu Tsuge il publie son premier titre en 1967 dans le magazine COM, le magazine d’Osamu Tezuka. Les évènements de son enfance et plus globalement sa vie, il va la mettre à de nombreuses reprises dans des mangas, comme Panorama of Hell. Il a revisité et rénové le manga d’horreur, dont il est aujourd’hui l’un des noms phares.

C’est en 1975 qu’ Hideshi Hino réalise L’enfant insecte et adapte ainsi la métamorphose de Kafka, une allégorie sur le traitement social des individus différents, qui traite également de la solitude et du désespoir des gens mis à l’écart. Hino en reprend les grandes lignes : il conserve le rôle primordial de la famille dans la première partie de son récit, mais il prend comme héros un jeune garçon déjà brimé et à l’écart, alors que c’est seulement après sa transformation que le protagoniste original voit l’attitude de son entourage se métamorphoser.

Le mangaka choisit également de ne pas s’attarder sur la vie familiale de Sanpei une fois sa transformation effectuée. Laissé pour mort, l’insecte géant a le droit a une seconde chance et une seconde vie sous la plume du mangaka, qui créé alors de toute pièce une nouvelle histoire et où il se montre, une fois de plus, sans répit pour son héros.

Après avoir subi l’acharnement des chinois et la maltraitance de ses propres compatriotes, Hino témoigne de son expérience personnelle et généralise le rejet de Sanpei, en l’enfermant dans une solitude cruelle… Avant de lui permettre de régler ses comptes, dans un bain de sang. Difficile de ne pas y voir le fantasme d’une vengeance personnelle, mais la conclusion de l’ouvrage démontre, heureusement, que cette solution ne comble aucun vide… Et qu’il n’y a d’ailleurs pas vraiment de solution pour le pauvre Sanpei…

Le monstre, c’est l’autre !

Néanmoins, après avoir été rejeté de tous à tort ou à raison, il y a bien quelqu’un qui finit par éprouver de la compassion pour l’enfant insecte. C’est le lecteur. Grâce à un trait simple, qui  préfère les émotions au réalisme, le mangaka nous présente un Sanpei victime de ce qu’il est, médiocre et moche, mais avec un bon fond. Si la transformation en vers géant est sans nul doute le moment le plus éprouvant visuellement parlant, le résultat de la métamorphose n’a rien d’horrible.

L’ambiance est plutôt macabre, dont difficile de faire figurer notre héros au casting d’un nouvel opus de Monstre & Cie, mais le vers géant n’est en rien une vision d’horreur… Il a même une bonne bouille. Car Sanpei reste Sanpei, qu’il soit l’humain instectophile ou l’insecte humanophile. Les gens n’ont jamais voulu savoir qui était Sanpei lorsqu’il était humain et ils ont maintenant toutes les bonnes excuses pour rejeter sa différence. Un rejet et une méchanceté qui feront de notre asticot géant un vrai monstre.

La compassion n’est donc pas le sujet de l’histoire, bien au contraire, mais elle finit par naître dans le cœur du lecteur, par rejet du rejet. Le roman de Kafka conserve donc toute sa force sous la plume de Hideshi Hino, qui en conserve la noirceur et les questions existentielles sur le rejet et la solitude. Bien qu’appartenant au genre seinen, il aurait toute sa place dans les bibliothèques de lycée pour une leçon de vie et d’anti-conformisme. Sans compter qu’il constitue aussi une alternative très abordable à l’œuvre d’origine.

À essayer. Vraiment.

Titre : L’enfant insecte
Auteurs : Hideshi HINO
Date de parution : 22 mars 2012
Éditeurs fr/jp : IMHO / Sobisha
Nombre de pages / Format : 208 pages / 14.7*21 cm
Prix de vente : 14 €
Nombre de volumes : 1

 © Hideshi Hino/IMHO